Vamos ver essa cena na Itália? Tomara!

A derrota da equipe masculina de vôlei do Brasil, contra Cuba, na última terça, em jogo válido pela primeira fase do Campeonato Mundial fez levantar algumas suspeitas sobre o fim da soberania da nossa seleção no cenário do vôlei mundial. Para quem não sabe, a competição acontece só a cada quatro anos, tendo o time verde-amarelo-e-azul (e-talvez-branco?) se sagrado campeão duas vezes. Não por coincidência, foram nas duas últimas  edições, que aconteceram – obviamente – em 2002 e 2006. A seguir, apresento os motivos pelos quais essa derrota não é motivo pra desespero e o porquê ainda devemos ouvir “Giba neeeles” por mais algum tempo:

Sai daí, Maradona!

1 – O efeito Bernardinho: Nem Família Restart, nem Grande Família, nem Família Lima, a família mais bem-sucedida do Brasil é a Bernardinho. Em nove anos no comando da seleção nacional, o pai da Júlia e da Vitória e marido de Fernanda Venturini – ô louco, meu – conquistou vinte e seis títulos. Eu repito, porque é mesmo difícil de acreditar: foram vinte e seis títulos.

Com personalidade forte e muita cobrança, Bernardinho consegue dar motivação a jogadores que já são campeões de tudo (duas vezes até, em alguns casos) e aposta no mesmo mantra que consagrou Muricy Ramalho: “É trabalho, trabalho e trabalho”. Depois da derrota contra Cuba, não tenha dúvida que o técnico deu uma bronca quilométrica nos atletas (levando em consideração que broncas podem ser medidas em metros). O resultado veio logo: uma belíssima partida contra a campeã europeia Polônia, 3 sets a 0 e nenhuma dificuldade. Não é a toa que Bernardo Rezende transformou suor em ouro.

"Tenho beeeeeem mais cabelo, tá bom?"

2 – Os retornos de Giba e Marlon: O Brasil desembarcou na Itália com quase uma lesão pra cada fio de cabelo que resta na cabeça de Bernardinho. Lucão, Marlon, Dante, Giba e Mário Jr. chegaram à terra da bota sem estar 100% fisicamente.

Na primeira fase, como é de costume, alguns deles foram poupados, caso de Giba e o de Marlon, que sofreu inflamação crônica intestinal e não teve condição de jogo. Esse problema fez com que Bruninho, único levantador ainda saudável no elenco, tivesse que pisar no freio. Sem Marlon, a seleção tem que optar pelo mais simples, como o próprio comandante admitiu, descartando a inversão, arma poderosa da equipe bi-campeã do mundial.

Contra Cuba, Giba já jogou alguns minutos. Hoje, foi a vez de Marlon voltar a treinar com bola. Aos poucos, as peças vão voltando ao tabuleiro.

3 – Rodrigão: A fase do meio de rede é fantástica. Nos três primeiros jogos da fase inicial já foram 17 pontos de bloqueio, o recorde da competição. O ex-jogador do Macerata parece ainda se sentir muito a vontade na terra do calzone.

Contra a Espanha, último adversário da primeira fase, Rodrigo bateu uma marca pessoal. Seus nove pontos na rede foram o máximo que conseguiu em uma única partida durante toda a carreira. Além dele, Mário Jr. também vive momento especial. Contra a Polônia, nesta quinta-feira, o líbero fez uma partida primorosa, substituindo o lesionado Serginho à altura.

4 – Possível jogo tático: Ao enfrentar Cuba, o Brasil já estava classificado à segunda fase. Sabendo que a chance de não chegar entre os oito primeiros era bem pequena, a comissão técnica brasileira pode ter escolhido adversários.

De acordo com o que analisa Bruno Voloch em seu blog, com a derrota frente a Cuba, a seleção que ficou famosa pelos peixinhos pós-título enfrentaria provavelmente Alemanha e Estados Unidos (esta última em mau momento) na terceira fase. Enquanto isso, Cuba teria como adversários Rússia e Sérvia, duas das maiores potências do vôlei mundial.

Eu não acredito, mas é uma hipótese.

5 – Isso já aconteceu antes: A derrota contra Cuba, no frigir dos ovos do tie-break, não é exatamente uma novidade pra equipe de Bernardinho. Das cinco competições mais importantes do circuito, Campeonato Mundial, Liga Mundial, Copa do Mundo, Copa dos Campeões e Olimpíadas, foram 15 conquistas de 2001 pra cá, ano que o sr. Venturini assumiu o comando da equipe. Nove destas vezes o Brasil teve um tropeço na fase inicial.

Abaixo, o desempenho em primeiras-fases destes torneios vencidos na Era Bernardinho:

Campeonato Mundial:

O método Usain Bolt de ficar milionário

2006: 1×3 França

2002: 2×3 Estados Unidos

Copa do Mundo:

2007:  0×3 Estados Unidos

2003: Invicto

Copa dos Campeões:

2009: Invicto

2005: Invicto

Ligas Mundiais:

2010: 0×3 Holanda

2009: 2×3 Finlândia

2007: Invicto

2006: Invicto

2005: 0×3 Portugal

2004: Invicto

2003: 2×3 Itália

0×3 Itália

2001: 2×3 Estados Unidos

Olimpíadas:

2004: 1×3 Estados Unidos

– Por Alexandre Bentivoglio

Você não merecia um filme tão ruim, Shaq!

Além de jogar boliche com Justin Bieber, desafiar um lutador de MMA pra porrada e rezar em direção a Meca, Shaquille O’Neal parece fazer ultimamente uma coisa que há muito não fazia: jogar basquete.

Recém-chegado em Boston pra vestir a camiseta verde e branca do Celtics, rival histórico do time que defendeu por mais tempo na carreira, o Los Angeles Lakers, Shaq parece ter trazido na mala, entre as camisetas GGG e os sapatos tamanho 46, uma vontade de vencer que não se via no gigante de 2,16m desde os tempos de Miami Heat. E ele tem motivo pra isso.

Do alto dos seus 38 anos, o atual atleta mais velho da NBA assinou contrato de duas temporadas dizendo que chegou à terra da família Kennedy pra conquistar mais dois títulos, com a convicção de quem não costuma dizer frases feitas.

O homem dos 147kg vai jogar ao lado de grandes talentos, como são os casos de Kevin Garnett, Paul Pierce, Ray Allen, Nate Robinson, Rajon Rondo e o parente Jermaine O’Neal, que somam mais de 30 participações no All-Star Game, o jogo das estrelas da NBA. Uma média de idade alta, é verdade, mas talento suficiente pra sonhar com o campeonato.

Yao Ming, é você?

Com esses dois anéis a mais, o apresentador do divertidíssimo Shaq Vs. alcançaria a fantástica marca de seis títulos — ele ganhou três em Los Angeles e mais um em Miami — e seria o terceiro jogador na história a levantar a taça por três franquias diferentes (os dois que já alcançaram o feito são Robert Horry e John Sally).

Pois é. Com 38 anos, quatro títulos da NBA na carreira, uma dezena de filmes, cinco CDs de rap e um programa no horário nobre, somado, é claro, a uma fortuna estimada na casa de 140 milhões de dólares, a maioria das pessoas, inclusive eu, não veria mais motivos para continuar jogando. Mas o Big Daddy não pensa assim. Sorte nossa, que ainda vamos ver o jogador de basquete mais carismático do mundo em quadra por mais alguns anos.

– Por Alexandre Bentivoglio

Quentin Tarantino é um dos diretores mais cultuados, tanto por fãs quanto por crítica, nos dias de hoje, certo? Certo. Ele escreve e dirige todos os seus filmes, certo? Certo. Mas, existe alguém ali no processo, responsável por toda edição daquelas inúmeras cenas gravadas. Esse alguém é o editor, figura geralmente misteriosa, que fica enfurnado no alto de seu castelo transformando o bruto em ouro.

Sally Menke, uma das mais antigas colaboradoras de Tarantino, acabou transcendendo esse limite de invisibilidade, se tornando algo presente no imaginário que envolve o diretor. Para se ter idéia, em Kill Bill Vol. 1, o diretor sugeriu que, a cada erro cometido pelos atores, fosse mandado um olá para a editora. Surgiu então o “Hey Sally!”, que virou uma espécie de tradição em seus filmes seguintes: Kill Bill Vol. 2, À Prova de Morte e Bastardos Inglórios. Nos dois últimos, foram separados estes trechos e colocados nos extras do DVD.

Neste vídeo acima, retirado de À Prova de Morte, Quentin Tarantino primeiramente explica um pouco sua relação com a editora e o motivo dela ser tão importante neste processo criativo. De quebra, os atores mandando um olá para Sally, após os erros. Até fazendo isso o Kurt Russel consegue ser badass. Mas, enfim. Esse foi o penúltimo filme feito por Quentin, mas o último a chegar no Brasil. Muito obrigado por isso, distribuidoras, diga-se de passagem. É sempre mais legal assistir um filme no cinema apenas três anos depois de seu lançamento.

Este é do último filme realizado por Tarantino, o excelente Bastardos Inglórios. Meu “Hi Sally” preferido deste filme vai para Mélanie Laurent que, mesmo ensanguentada, consegue dar o olá mais fofinho do vídeo. Peço desculpas, não consegui achar outro adjetivo à altura.

Esse tipo de tratamento quase exclusivo mostra quão importante ela era para o Tarantino e, por conseqüência, para todos que gostam de bons filmes. Quando os atores erravam, deixavam um olá, mas agora quem errou foi a morte, levando embora um talento cedo demais, deixando todos nós com apenas duas palavras a dizer: Goodbye, Sally!

PS: Se quiser saber, jornalisticamente, o que aconteceu com ela e tudo mais, só clicar aqui. Já basta encheção de saco com lead e pirâmide invertida na faculdade. E, só para não falar que eu deixei passar, ela também editou aquele clássico filme das Tartarugas Ninjas. Viu, ela está mais presente na sua vida do que você imaginava.

Joaquin Rafael Phoenix, anteriormente conhecido como Leaf Phoenix, é um ator e cantor estadunidense e porto-riquenho. Ele nasceu em Porto Rico onde viveu até… wikipedia, blábláblá. Ele ficou realmente famoso com o estouro de Gladiador, em 2000, onde viveu o vilão Commodus, deixando esse rosto conhecido pelo mundo todo.

Depois, mais algumas boas performances como em Sinais (discutível), Brigada 49 e o último trabalho que lhe rendeu uma indicação ao Oscar: Johnny e June. Neste último, Phoenix viveu o lendário Johnny Cash, numa atuação inspirada, provavelmente a mais bem sucedida de sua carreira. Depois destes filmes todos, veio seu último trabalho, Amantes. Esse filme de 2008 é baseado no clássico de Luchino Visconti “Noites Brancas” que, por sua vez, é baseado na obra homônima de Fiodor Dostoievski.

O que interessa não é o filme em si, que acabou não ficando tão ruim assim. Dostoievski no estilo Hollywood. O que interessa, de verdade, é o que aconteceu durante a promoção desse filme. O protagonista, Joaquin Phoenix, o mesmo rapaz garboso ali em cima, aparentemente perdeu qualquer noção e contato com a realidade, e apareceu assim no programa de David Letterman, protagonizando uma pérola da televisão moderna, daquelas coisas que fazem a vida valer a pena:

Com essa performance espetacular, ele deixou todos com a mesma pergunta na cabeça. Seria uma farsa, seria verdade, o triste apogeu de um ícone hollywoodiano? Logo após, ele anunciou que se aposentaria do mundo dos filmes, apostando apenas em sua carreira como cantor de rap. Eu me recuso a colocar os vídeos dessa “carreira” porque… bem… assistam por vocês mesmos, se tiverem coragem.

Agora, o capítulo final dessa novela foi o documentário “I’m Still Here”, rodado nesse chamado ano perdido de Phoenix. Quem dirigiu essa bagaça foi Casey Affleck, irmão mais novo daquele cara que fez o Demolidor. É, nem me lembre. Enfim, esse documentário causou uma grande polêmica, pois, nele existiam cenas com nosso querido Quin cheirando cocaína, abusando da beleza das belas moças de Las Vegas, supostos cleaveland steamers (não procurem o que é isso, de verdade), e, pior de tudo, mostrou essa tal carreira dele como rapper.

Ninguém acreditava que era verdade mas ele finalmente saiu, e fez sua estreia no Festival de Cannes, um dos – ainda – mais conceituados festivais de cinema do mundo. É, complicado. Pareceu a coisa mais desagradável do mundo, ou, como diria Roger Ebert, “foi o prego final no caixão de Joaquin Phoenix”. Mas, tudo que é bom, dura pouco. No dia 17 de setembro, Casey Affleck falou ao NY Times e admitiu que era tudo mentira. Um minuto de silencio pela notícia.

Agora, paremos para pensar. Joaquin Phoenix ficou mais de um ano, encarnando essa “persona”, perdendo potenciais trabalhos, vivendo dessa polêmica, para agora ser revelado tudo um grande boato. Eu não vi o documentário ainda, não chegou em terras brasileiras, mas assistir ele já sabendo esse huge spoiler vai transformar a experiência. Era justamente essa a idéia de Affleck (não o Ben) ao deixar o filme rolar sem contar essa informação. Ele queria que as pessoas tivessem a experiência de ver um ator em franca decadência. Verdade seja dita, se as pessoas quissessem ver isso, só tinham que parar para assistir qualquer filme do Ben Stiller.

Seria essa então uma tentativa desesperada de atenção ou a melhor e mais real atuação dos últimos tempos? Eu, pessoalmente, achei isso sensacional. Em uma Hollywood plástica, onde cada vez mais são reciclados roteiros, filmes e idéias, uma tentativa assim, ousada, por mais imbecil e infrutífera que possa ter sido, mostra que ainda tem alguém pensando em fazer algo diferente. Phoenix irá participar novamente do programa de Letterman no dia 22 de setembro, dessa vez sem esse personagem, e parece que explicará tudo. Mas, de qualquer forma, esses dez minutos da primeira entrevista concedida por Phoenix ficarão imortalizados, e spoiler nenhum vai estragar esse momento.

PS: Ou vai. Aparentemente, até o David Letterman tava sabendo dessa presepada toda. Minha tristeza é inenarrável, senhores. Inenarrável.

- Por Paulo Gadioli

Vem comigo

“O Sexto Sentido”, filme que o tornou conhecido do grande público, mesmo não tendo sido seu primeiro trabalho cinematográfico é, sem dúvida, uma grande realização, digna do sucesso que recebeu. Depois veio “Corpo Fechado”. Ok, eu acho um filme bacana. Depois, “Sinais”. A coisa começou a ficar estranha. Mel Gibson, aliens esquisitos, chapéus de Hersheys. Mas tudo bem. Deve ter algum propósito, no próximo ele se redime, pensava eu. E o que veio depois? “A Vila”. Quem sabe eu até ache legal. Não. Não é legal. O combo que sucedeu essa esquisitice toda foi uma tapa na cara daqueles que ainda viam algum futuro naqueles jovens olhos indianos. “A Dama na Água” e “Fim dos Tempos” te fizeram começar a pensar: “puta merda, esse cara de novo não”. Triste, mas verdade. O gráfico baseado nas críticas do diretor no RottenTomatoes não me deixa mentir.

Colocando desse jeito, é bem capaz que a proeza de conseguir a primeira somatória de crítica negativa seja obtida por M. Night blablabla. Mas, com um background desses, já não dava pra esperar muito da adaptação que Manny, como é carinhosamente apelidado, faria do desenho Avatar. Eu particularmente nunca vi a série animada, não sei se é bom ou não, meu conhecimento se resume a saber que o moleque tem uma seta na testa. E que ele é, aparentente, asiático. Mas retorno com isso mais pra frente.

Muitos declaram que esse é o pior filme que eles já viram em suas vidas. Outros afirmam que chamar esse de o pior filme que já viram em suas vidas é pouco, e não faz jus ao terror que Shyamalan os fez passar. Roger Ebert, um dos mais famosos críticos norteamericanos, disse que “O Último Mestre do Ar é uma experiência agonizante em toda categoria que eu possa imaginar, e em outras que ainda nem foram inventadas”. Quando você chega ao ponto de ter um jornalista recitando as críticas ruins que seu filme recebeu pra você em uma coletiva de imprensa, quer dizer que algo está errado. Muito errado.

E quando chega no extremo de que o mero ato de ter seu nome pronunciado em um trailer já gera uma maré de revoltas, xingamentos e vaias na platéia? Pois é, foi o que aconteceu com Devil, novo filme de Drew e John Erik Dowdle, e que tem Shyamalan como principal “mentor”. Só de aparecer “From the Mind of..”, já foi o suficiente pra causar esse tumulto todo. Viram, não sou eu que estou pegando no pé, a coisa está ficando realmente feia pro lado dele.

Mas peraí, peraí. Antes de sair crucificando o rapaz, ouçam o que ele tem a dizer. Querem mesmo? Tem certeza? Tudo bem, vocês que pediram. Ele disse, em entrevista, que os americanos o massacram tanto por não entenderem a “sensibilidade mais europeia” presente em seus filmes. Completou ainda, dizendo: “vou nos Estados Unidos, sou massacrado. Depois pego um avião, vou para o Japão e eles dizem, você é um gênio!”. Gênio? A única genialidade dele nesses últimos anos foi inventar essa desculpinha sem graça aí.

Não adianta fazer essa cara de filho do padeiro aí, Manny. E, como se não bastasse tudo de ruim que já mostrei pra vocês aqui até agora, esse filme conseguiu, além de unir todos os críticos numa cruzada de ódio, iniciar um esquisito debate racial. Os principais personagens da série “Avatar: A Lenda de Aang” são Aang, que teve suas feições baseadas no povo asiático, Katara e Sokka, baseados no povo inuíte. O que aconteceu, e provocou esse debates, foi que, para esses papéis, foram escolhidos atores caucasianos. Veja a imagem a seguir:

Isso trouxe de volta todo debate sobre algo recorrente no teatro norteamericano no início do século XIX, o Blackface. Nele, o ator, branco, pintava o rosto com tinta negra, para então poder atuar, na maioria das vezes de forma extremamente racista, simulando um ator negro. Temos um bom, e engraçado, exemplo disso no personagem de Robert Downey Jr. em “Trovão Tropical”.

Nos cinemas, a prática mais comum foi o Yellowface, onde acontecia algo semelhante ao modo como os negros eram retratados antes no teatro mas ,dessa vez, mostrava os asiáticos com traços extremamente estereotipados e racistas. Essa prática é até apontada em conhecidos filmes, como os de Charlie Chan ou “Bonequinha de Luxo”. Dessa forma, os “mocinhos” são brancos e os “vilões” são “de cor”. Inclusive, Dev Patel faz o papel de Zuko, vilão do filme. Pô, o cara acabou de ganhar 20 milhões de rúpias, deixem ele em paz.

Afinal das contas, seria culpa do Manny esse casting “racista”? Ou dos grandes estúdios, que olham apenas para o mais rentável, com uma mente ainda extremamente atrasada, se sujeitando a fiascos como esse? É difícil dizer. Eu vou esperar pra ver o filme, pra falar especificamente dele. Só estou reproduzindo algumas opiniões que achei interessante do que acontece pelo mundo. No final, só resta uma pergunta, a que realmente importa: aquele cara é o Jasper do Crepúsculo?

PS: Espero não ter acabado com a sua vontade de ver o filme. E sim, é ele mesmo. Se você se interessar pelo assunto, tem um site que luta contra essa descaracterização dos diferentes povos no cinema. Só entrar aqui e dar uma olhada. Aproveite e, depois que ver o filme – ou antes, whatever – dê uma olhada nesse especial da Cracked, é genial.

Por Paulo Gadioli

Bom, o Paulo é quem escreve de filmes por aqui, mas vou me arriscar uma vez na área. Esse post tratará sobre cinema, mas com o mesmo e talvez até maior peso estará outro meio: histórias em quadrinhos. A meu ver, a melhor expressão para o caso de Watchmen, objeto deste texto, não é história em quadrinho, mas graphic novel. O enredo relacionado à Guerra Fria e a complexidade dos personagens diferem de tudo o que é, para mim, uma reles história em quadrinhos.

Não sou um mestre no assunto, tanto que esse foi o primeiro comic book que eu li, mas é gritante a diferença entre uma edição de Turma da Mônica e um capítulo de Watchmen. A comparação é absurda, mas é provavelmente o único referencial que eu tinha anteriormente no ramo. Se o parâmetro não for a revistinha protagonizada pela dentuça, mas as histórias de super-herois famosas nos Estados Unidos, creio que a disparidade entre os conteúdos, quando comparada a complexidade, ainda é muito grande.

Watchmen é uma distopia, assim como Admirável Mundo Novo e 1984, contudo tem como background a tensão que ocorreu entre Estados Unidos e União Soviética durante pouco menos da metade do século XX, diferindo das duas obras famosas de Aldous Huxley e George Orwell, que consideravam sociedades fictícias, com continentes de nomes diferentes, estruturas sociais e valores completamente diferentes dos que temos hoje.

A principal característica da graphic novel escrita por Alan Moore e ilustrada por Dave Gibbons  é o espaço em que ela ocorre: Nova York em meados da década de 80, quando a história foi publicada nos Estados Unidos. Uma tensão crescente se espalha na população estadunidense, pois a guerra do Afeganistão está próxima de ter consequências trágicas, ou seja, um conflito nuclear mundial, que invariavelmente extinguria a população humana.

O enredo tem seu plano de fundo baseado na realidade, com temas que na época eram contemporâneos  – como o conflito na terra do tio Bin Laden -, e se passa em uma cidade real, não em um local imaginário como a Gotham City da série Batman. Os personagens, com uma exceção, são extremamente humanos e tem personalidades repletas de falhas, ao contrário dos super-herois mais famosos.

Doctor Manhattan no filme

Doctor Manhattan na graphic novel

Apenas um dos personagens é um super-heroi e ele é a exceção a qual eu me referia. Jonathan Osterman, posteriormente chamado de Dr. Manhattan, é um Ph.D em física atômica que teve seu corpo desintegrado em um acidente dentro de uma máquina de experimentos. Seu corpo acaba se reconstituindo numa curiosa tonalidade azul, sua voz muda e ele se torna uma um símbolo nacional. O governo o utiliza como arma suprema durante a Guerra do Vietnã, alguns o chamam de Deus por seus poderes imensuráveis e a alcunha Dr. Manhattan é difundida mundialmente como consequência de seus feitos espetaculares.

No cinema, Jon parece um ser de outro mundo e é uma caracterização perfeita do que foi desenhado por Dave Gibbons nos quadrinhos. Aliás, o principal trunfo da versão cinematográfica, a meu ver, foi a adaptação dos personagens e seus trajes. Você de fato vê em carne e osso aqueles que foram ilustrados. Desde os Minutemen – Captain Metropolis, Silk Spectre, Mothman, Nite Owl, Hooded Justice, Comedian, Dollar Bill e Sillhouete – aos Crime Busters -  Captain Metropolis, Dr. Manhattan, Silk Spectre 2.0, Nite Owl 2.0, Comedian, Rorschach e Ozymandias -, todos os principais indivíduos da história são representados e trajados como imaginei na vida real.

Crime Busters: Dr. Manhattan, Comedian, Silk Spectre II, Ozymandias, Captain Metropolis, Nite Owl II e Rorschach

Minutemen e Crime Busters. As expressões ficam vagas, ainda mais com todos esses nomes aparecendo aí. Se você assistir apenas ao filme, não endenterá quem são os primeiros e nem saberá que os segundos formaram um grupo com esse nome. Por isso a graphic novel é muito melhor na minha opinião. Mais detalhista, ela cria um universo e apresenta as crises pessoais e sonhos de cada personagem, como a admiração de Adrian Veidt (Ozymandias), a Alexandre, o Grande, e a personalidade conturbada de Eduard Blake (Comedian), que é o indivíduo mais interessante da história na visão deste que vos escreve, por ser descrito por outros de dentro da história como uma paródia da sociedade humana da época. O que isso significa? Ele não tinha princípios. Ou melhor, seus princípios eram a violência e a brutalidade como meios para obtenção do sucesso.

Violência e brutalidade são duas palavras que caem bem para descrever o filme. Enquanto nos quadrinhos existem cenas fortes, estas ficam muito piores (ou melhores, dependendo do ponto de vista) no cinema. É justa a classificação  para maiores de 18 anos, porque chega a ser chocante em algumas cenas como as ilustrações foram “animadas”.

Minutemen: Silhouette, Mothman, Dollar Bill, Nite Owl, Captain Metropolis, Silk Spectre, Hooded Justice e Comedian agachado

Três detalhes finais presentes nos quadrinhos merecem destaque: os excertos musicais ou de pessoas notáveis como conclusão dos capítulos; os anexos de livros e revistas complementares de cada capítulo;  os trechos do vendedor de jornal e seus clientes que discutem quando começará a Terceira Guerra Mundial.

Frases de Bob Dylan e Einstein ilustram o último quadro de cada episódio. E o fazem com maestria. “The release of atom power has changed everything except our way of thinking… The solution to this problem lies in the heart of manking. If only I had known, I should have become a watchmaker”, disse Albert Einstein um dia. E Alan Moore se aproveitou da afirmação do gênio, utilizando-a para fechar a parte em que é contada a história de Jon Osterman, o Dr. Manhattan.

Essa frase não aparece no filme, mas a trilha sonora foi bem selecionada e aplicada, sendo coerente com os quadrinhos. Destaco a cena de abertura, que mostra os Minutemen, quase desprezados na versão de cinema, mas colocados em destaque nesse trecho:

O segundo detalhe são os anexos ao final de cada capítulo da versão impressa. A impressão que estes me passaram foi de maior veracidade e profundidade no mundo de Watchmen. Os vigilantes realmente foram notícia, ficaram famosos, escreveram seus livros, foram objetos de estudos… Enfim, cada anexo adiciona muito à história e dá maior sentido a ela. Infelizmente, o conteúdo quase não aparece no cinema, o que é compreensível, mas não deixa de ser uma lacuna na narrativa.

Também ausentes do filme estão as cenas com o vendedor de jornais, que aparece mas não fala nada, enquanto nos quadrinhos várias situações se passam neste ambiente. Os vigilantes, personagens principais, podem ser pessoas comuns como nós, mas o leitor provavelmente se identifica melhor com um cidadão que passa todo dia na banca de jornal, discute atualidades e, quando algo grande como uma guerra iminente está para ocorrer, aborda o assunto nas conversas diárias. É com estes indivíduos impotentes frente um conflito mundial que existe maior empatia. É o sentimento de medo deles que qualquer um sentiria. E justo esses personagens não têm destaque algum no filme.

Acredito que o grande mérito de Alan Moore foi destacar a angústia desses herois sem superpoderes e das pessoas comuns frente ao caos que se tinha medo durante a Guerra Fria. Watchmen é, além de uma boa história, um documento que registrou o que era viver nessa época. Sinceramente? Prefiro ter nascido depois de tudo isso.

O galã criador da história: Alan Moore

Por Rodrigo de Sousa Trindade

PS.: Daria pra falar muito mais, mas só de saber que você já leu até aqui, fico grato e espero que tenha valido o tempo gasto.

Eu não tinha me tocado de quem estava na minha frente até o final dos primeiros dez minutos do filme, quando somos finalmente apresentados aos mercenários. Sylvester Stallone, Terry Crews, Jet Li, Jason Statham, Randy Couture e Dolph Lundgren formam o time, que, logo na primeira cena de ação, já fazem brilhar os olhos daqueles que estavam tão carentes por cenas como essa na telona. Statham e Stallone, diga-se de passagem, acabam por formar uma excelente dupla. Convenhamos, há quanto tempo não aparecia alguém para fazer jus à fama de herói bad boy criada nos anos 80? O último que consigo me lembrar é o próprio Jason Statham. Fora ele, tem o… Chris Evans? Channing Tatum? Sam Worthington? Sério?

Se você, assim como eu, não nasceu nos anos 80, é provável que não tenha acompanhado o auge desses atores no cinema. Seja com “Comando Para Matar”, “Rambo”, “Duro de Matar”, “Cobra” ou “O Exterminador do Futuro”, eles estabeleceram um padrão nos anos 80 do famoso herói badass. O lendário Bruce Willis, em suas poucas, mas muito boas, falas de “Os Mercenários”, nos lembra do que esse badass é feito, já que, somente verbalizando as diferentes maneiras que pode matar uma pessoa, já intimida mais do que alguns atores com uma bazuca na mão.

Eu acredito que, mais do que apenas um filme de ação, é um verdadeiro tributo aos filmes desse estilo. Em nenhum momento ele se mostra pretensioso, como se tivesse o propósito de apresentar algo novo, reflexivo. Pelo contrário, parece uma verdadeira reunião de amigos, unidos para fazer o que sabem. Isso fica evidente na já famosa cena onde Stallone, Bruce Willis e Arnold Schwarzenegger interagem. É uma cena curta, mas, ver os três Johns (Rambo, McClane e Matrix) juntos deixa qualquer saudosista meio emocionado.

Fiquei um pouco decepcionado com o tratamento que deram ao Jet Li. Eu entendo que, com tantos atores fortes reunidos, seria difícil achar um alívio cômico. Mas, jogar tudo em cima do chinês, fazendo piadas de mau gosto sobre a altura do cara, já é um pouquinho demais. Acredito que também faltou um vilão mais marcante. Eric Roberts não convence e deixa o “Stone Cold” Steve Austin como principal antagonista do filme. Só ficou faltando o Stone Cold Stunner para felicidade completa da nação fã de luta livre.

Todos os clichês possíveis estão presentes. Vilões que levam tiros, facadas e não morrem, mocinhos que são alvejados por mais de 100 soldados e não são atingidos por uma bala sequer, explosões, explosões e mais explosões, humor sarcástico e mais algumas explosões.

Os críticos têm crucificado o filme por sua história bem ruim. É verdade, é ruim, mas, acho que ninguém comprou esse ingresso querendo uma trama excelente. Pra isso, era só ter pulado uma sala pro lado e assistido “A Origem”. Acho que a única crítica que eu faria nesse aspecto é que, a história é ruim, todos sabem, mas parece que o Sly resolveu dar um espaço grande pra ela, só evidenciando ainda mais essa fragilidade. Devia ter substituído muitos diálogos ali por alguns tiros no olho, voleios na nuca.  Mas, não posso deixar de comentar, a parte em que Mickey Rourke conta aquela história meio “A Queda” é de arrepiar (e, como bem apontou o PH, ausente dono deste blog, parece que ele nem ao menos cortou o cabelo entre “Homem de Ferro 2″ e “Os Mercenários”).

Em linhas gerais, “Os Mercenários” tenta trazer um pouco desse espírito do cinema de ação hollywoodiano dos anos 80 de volta às telonas. Dessa forma, acabou conseguindo números sólidos na bilheteria norteamericana. O difícil é saber se esse filme resistirá ao tempo. É provável que não, mas, aproveite enquanto ele está em cartaz, vá ao cinema, compre seu balde de pipoca e divirta-se. Se não der, alugue e compre sua pipoca Yoki, vai dar quase na mesma, só com explosões um pouco menos altas.

PS: Vale a pena ver esse fan-made trailer que tava circulando na internet antes do filme chegar às telonas, é bem interessante e transmite bem a mensagem do filme. Só clicar aqui. E sim, procurei “Schwarzenegger” no Google.

Se você ainda não viu o filme, sugiro que vá. Rápido. Mas, como a essa altura você já deve saber, nem que eu fosse o rei da síntese eu conseguiria dar spoilers interessantes o suficiente pra te fazer desistir de assistir o filme. Não vou falar tanto sobre detalhes da trama ou dos personagens, só algumas coisas que passaram pela minha cabeça durante o filme. Enfim…

Em um panorama geral, um filme de Christopher Nolan, ainda mais depois da realização do excelente “The Dark Knight” gera uma expectativa acima do comum. Temos bons exemplos de novos diretores fazendo bonito em Hollywood, mas a grande maioria com roteiros adaptados. Maioria esmagadora, eu diria. Então, ver um desses grandes diretores, que acabou de sair de uma aclamada adaptação de uma aclamada história em quadrinhos, dirigir um roteiro que ele mesmo escreveu torna-se uma experiência única nesse mar de remakes.

A direção de Nolan, enérgica e precisa, já impressiona por si só. Mas, no caso de “Inception”, o que chama atenção é o roteiro, amarrado de forma assustadoramente coesa, transformando uma complexa trama em algo compreensível. Muitos argumentam que o filme se explica demais. Se isso é verdade, como é possível que muitas pessoas não tenham entendido o filme? Digo mais, será que realmente existe uma mensagem pontual, a ponto de você dizer “entendi o filme”? Eu acho que não. É algo mais reflexivo, passível de inúmeras interpretações.

Em “Inception”, Leonardo DiCaprio é Dom Cobb, um experiente ladrão, especializado em adentrar os sonhos de, geralmente, grandes pessoas do mundo corporativo, a fim de roubar seus segredos. Colocando em poucas palavras, o ato de levar uma pessoa a ter determinada idéia, plantando uma informação na mente dela através dos sonhos, é chamado de inception. Cobb é contratado por Saito, interpretado por Ken Watanabe, para realizar esse ato com o filho de um poderoso magnata, para que este tenha seu império dividido e assim Saito possa tomar controle de maior parte dos negócios antes monopolizados.

O desenrolar dos fatos atrai tanto a atenção que acaba por causar um efeito semelhante ao que senti durante “A Laranja Mecânica”, do mestre Stanley Kubrick. No clássico de 1971, Alex DeLarge, antes um estuprador, fã de brigas e da boa e velha ultra-violência, se vê “curado” pelo método Ludovico e encontra-se indefeso na parte final do filme, fazendo os espectadores sentirem certa compaixão por aquele homem transformado. Em “Inception”, Nolan vai jogando com o roteiro de modo que, em determinado momento, onde Robert Fischer, interpretado por Cillian Murphy, vai abrir o portão final, as pessoas acabam torcendo para que ele de fato veja e ouça o que sei pai tem a dizer. A cena traz até uma pesada carga emocional, retirando do filme qualquer valor ou julgamento moral, tornando os conceitos de “bandidos” e “mocinhos” meros preceitos superficiais na trama.

O filme demora um pouco para engrenar, é verdade, mas quando deslancha, é algo genial. Os efeitos especiais colaboram com o filme, sem nenhum grande exagero. A fluidez das cenas, especialmente a que Joseph Gordon-Levitt, muito bem em seu papel, trava uma batalha sem gravidade contra os seguranças do sonho de Fischer é algo completamente crível naquele contexto. A forma como Nolan conduz ação me incomoda um pouco, mas como não é isso que espero ao assistir um filme dele, acaba por não ser um grande problema. Por outro lado, acho interessante como, até nas cenas de ação, o clímax está mais na dramaticidade do que na ação propriamente dita.

Isabela Boscov, em sua resenha na Revista Veja, fez a infeliz comparação de “Inception” com “Morangos Silvestres”, de Ingmar Bergman, apontando como o diretor sueco fez “mais com menos”. É uma comparação totalmente descabida, em minha opinião. Se fosse para comparar, eu assemelharia, obviamente, a “Matrix”, a comparação mais óbvia. E, se fosse para estabelecer essa comparação, eu diria que “Inception” é o “Matrix” que deu certo. Cada um tem seus méritos, claro, mas Nolan conseguiu, pelo menos comigo, uma imersão muito maior em tudo aquilo que acontecia, em diversos níveis e camadas, diferente de apenas uma pílula azul ou vermelha.

Mas, a sensação que mais me intrigou durante o filme foi aquele quê de “A Hora Do Pesadelo”. Essa sim acho uma comparação mais plausível. Fico feliz de ter vivenciado essa coisa de não saber o que é sonho, o que é realidade, e, quando você acha que tem certeza de alguma coisa, bum, leva um tapa na cara. Não dá pra saber se o final foi o sonho, se o começo já era um sonho, se tudo aquilo foi um sonho.

O final, inclusive, acaba por ser um grande exemplo desses tapas na cara. São muitas as possíveis interpretações. Ele está num sonho? É a realidade? Seria a realidade um sonho, ou um sonho a realidade? É complicado de se tirar uma resposta conclusiva. Essa resolução teria tudo para ser extremamente insossa, não fosse aquele close no totem de Cobb. Dessa forma, Nolan dá uma continuidade ao filme, dentro de nossas cabeças, nas discussões em mesas de bar ou em fóruns da Internet. Acabou sendo um final meio conto de fadas, meio “A Rosa Púrpura do Cairo”. Eu geralmente não gosto desse término aberto, mas, em “Inception”, ele acabou se mostrando o melhor possível. Paradoxo…

PS: Dois fatos que me chamaram a atenção após eu terminar de fazer este texto, enquanto eu estava lendo artigos pela Internet. Primeiro, a trilha sonora. Acabei nem falando dela, mas acho que nem é necessário, tamanho acerto de Hans Zimmer. O detalhe curioso fica por conta disso aqui. E, para terminar, você sabia que quatro atores diferentes interpretaram os filhos de Leonardo DiCaprio, mas com idades diferentes? Dê uma olhadinha aqui. Novamente, paradoxo…

Por Paulo Gadioli

Depois de um primeiro filme que me agradou muito, queria ver se toda essa hype criada em cima de Homem de Ferro 2 seria justificada. E foi. O primeiro já foi um filme que assisti muitas vezes, mais do que deveria, inclusive. Superar seria muito difícil, eu estava apenas com expectativas de que a continuação me agradasse tanto quanto o anterior. Mas eu estava bem enganado. Superou. Enquanto estava pensando no exato por que disso tudo, consegui chegar a algumas conclusões – uma coisa geralmente rara – então listarei aqui os cinco motivos pelos quais Homem de Ferro 2 – na minha humilde opinião – é melhor que o primeiro.

1 – Jarvis e o escritório

Os efeitos, num geral, continuaram no bom nível de antes. O que mais me chamou a atenção nesse novo filme foi a tecnologia que Stark possui em seu escritório. Jarvis foi atualizado, e todo o software com que o empresário trabalha deixaria até o Detetive John Anderton com inveja. É aquela coisa, de uma maquete feita há 30 anos o computador consegue fazer um mapeamento 3-D, retirar tudo quanto necessário, adaptar, girar, aumentar, diminuir e, BUM, criar um novo elemento químico.

2 – O Vilão

Uma coisa que me incomodou muito no primeiro filme foi o fraco vilão. Claro, Obadiah Stane, muito bem interpretado pelo Jeff Bridges, é extremamente importante, já que ele carrega toda uma carga emocional, pela traição a Tony Stark. Mas, ainda assim, eram duas armaduras em praticamente pé de igualdade. No novo filme, Mickey Rourke dá vida a Ivan Vanko, um brilhante físico russo que consegue também utilizar a tecnologia do reator Ark para construir armas. Em vez de construir um protótipo em formato de armadura, Vanko canaliza a força do reator em dois chicotes. Chicotes que até destroem carros de Fórmula 1 em alta velocidade. Sério, não dá pra ficar muito melhor que isso, ainda mais quando o vilão em questão atende pelo sugestivo nome de “Whiplash”. A cena final da batalha entre os dois protótipos de Tony Stark contra o criado pelo russo é muito interessante, e isso leva ao próximo ponto.

3 – As lutas

No primeiro filme, especialmente na cena que Stark trava a luta final contra Stane, ambos em suas respectivas armaduras, a coisa toda lembra muito Transformers, de Michael Bay. E isso definitivamente não é uma coisa boa. Na continuação, as lutas parecem ter uma duração menor, mas acontecem mais constantemente. Quando Iron Man e War Machine se enfrentam, por exemplo, fica tudo muito natural, não está mais presente aquela atmosfera horrorosa de efeitos especiais bem feitos, mas que, quando unidos, se transformam numa grande mistura. Não dá pra saber direito quem está batendo, quem está apanhando. Michael Bay sabe bem como é isso. Outra cena de luta memorável é protagonizada por Scarlett Johanson, mas… ela fica pro final. O parceiro do protagonista nos leva ao próximo item.

4 – A Máquina de Guerra

Após uma rápida pincelada, que consistiu em “talvez outro dia” dito pelo Coronel James “Rhodey” Rhodes em Homem de Ferro 1, a continuação faz questão de botar a armadura pra funcionar, sendo parte extremamente necessária para o desfecho. É apresentada a forma como um dos protótipos de Stark se tornou uma máquina extremamente equipada, através das mãos de Justin Hammer. War Machine por si só já é um grande chamativo pro filme. O protótipo criado por Stark e aperfeiçoado por Hammer é a definição, como o próprio Coronel Rhodes diz, do termo “badass”. As bad as it gets. E, se um homem de ferro é bom, dois são demais? Ok, peço desculpas pelo péssimo trocadilho, mas tudo é justificado pela próxima – e final – razão.

5 – Ela

Fiquei muito feliz com a notícia que Scarlett Johansson estaria no filme. Melhor, seria Natasha Romanoff, comumente conhecida como Viúva Negra. Mas eu ainda tinha na cabeça a lembrança de Sondra Pransky, personagem que a atriz interpretou em Scoop. Então, de uma jovem jornalista até o que podemos ver nesse filme é um longo caminho. Longo. Eu, como fã inveterado de luta livre, tive espasmos de alegria ao vê-la distribuindo headscissors, tornado famoso nos ringues pelos luchadores mexicanos. São motivos até banais, concordo, mas me darei a esse luxo em um Blockbuster de alto nível desse tipo.

Eu pretendia escrever algo mais sério sobre o filme, mas achei melhor colocar desse jeito. Ainda deixei de fora muitas coisas boas, como a aparição do escudo do Capitão América, a cena final pós-créditos, o maior destaque dado a SHIELD e ao Nick Fury, mas optei por escolher apenas cinco. Pode ser que isso tudo seja um grande momento Fanboy e que, ao ver o filme de novo, eu perceba estar escrevendo muita besteira aqui. Mas, até lá, Homem de Ferro 2, pelo menos na minha opinião superou o seu predecessor.

Por Paulo Gadioli

Charles Parker Jr., mais tarde conhecido pelo apelido de “Yardbird”, ou, simplesmente, “Bird”, nasceu em Kansas City, no ano de 1920. Começou a tocar saxofone aproximadamente aos 14 anos, encorajado por seu pai, que também era músico. Mal sabia o pai de Charlie que seu filho viria a se tornar um dos mais influentes e respeitados músicos de jazz da história. Segundo contam as biografias, Parker era apaixonado por música, mas nem sempre foi bem sucedido. Após algumas tentativas frustradas em sua juventude, Parker estudou, estudou e se tornou a figura lendária pela qual é conhecido até hoje.

Parker (Whitaker) e Gillespie (Wright)

Na década de 40, uma nova vertente do jazz estava surgindo nos Estados Unidos. O chamado Bebop, com ritmos mais acelerados, harmonias mais complexas e improvisações atípicas transformavam o jazz de música para ser dançada em música para ser ouvida, apreciada. E, a frente desse movimento, estava Charlie Parker, junto ao trompetista Dizzy Gillespie, com quem tocou muitos anos. Em um show na cidade de Oakland, no ano de 1946, estava na platéia um ilustre fã, chamado Clint Eastwood. Ao ver o que Bird fazia, Eastwood ficou impressionado e, quarenta e dois anos mais tarde, tomou a frente da dura tarefa de colocar a vida de Parker nas telas do cinema.

O resultado acaba sendo muito positivo. O filme é montado através da colagem de cenas da vida de Charlie, seguindo um enredo não-linear, mas que em nenhum momento se torna confuso. O personagem principal é vivido pelo ator Forest Whitaker, que se sobressai nesse papel, se mostrando merecedor do prêmio de melhor ator recebido em Cannes no ano de lançamento do filme. Muita coisa acontece na vida do saxofonista, e, em sua grande maioria, momentos ruins são lembrados, como a morte de sua filha. Mas Eastwood conseguiu manter o bom gosto e evitou cair no melodrama tão passível à vida dura que muitos desses músicos tiveram.

O abuso de álcool, heroína e sérias doenças contribuíram para que Parker sofresse um fim rápido e até certo ponto trágico. Mas, uma cena muito interessante é onde Charlie Parker conversa com seu amigo Dizzy Gillespie, e pergunta: “Eu vou a um médico de fígado, pago 50 dólares, e ele não me ajuda em nada. Vou a um médico de úlcera, pago 75 dólares, e acontece a mesma coisa. Eu vou na rua, pago 10 dólares por um saco de drogas e um pouco de paz. As dores passam. E você me diz que esse é o homem que eu devo evitar?”. Esse questionamento moral abre um pouco o leque de suposições sobre os vícios de Charlie, humanizando de certa forma esse hábito degradante. É o que o próprio chama de paradoxo.

Eastwood, Bird (Whitaker) e Dizzy (Wright)

Eastwood ainda fez um ótimo trabalho na ambientação. Transmitir a escuridão das pequenas casas noturnas onde os músicos tocavam não era trabalho fácil, mas, através de um excelente uso de contrastes, o diretor conseguiu fazer as cenas sem comprometer a atmosfera tão característica desse mundo do jazz. É interessante comentar como o diretor pega essa resolução e aplica em realizações mais recentes, caso de Gran Torino, onde contrastes fortes e uma fotografia mais acinzentada acabam dando o tom do filme.

Em um filme como Bird, a trilha sonora seria decisiva. Eastwood pegou solos originais de Parker, muitos deles cedidos por uma personagem importante na história, Chan Parker, mulher de Charlie, e contratou uma banda de músicos renomados da atualidade para regravar os outros instrumentos. E, assim, se fez uma excelente trilha. Para se ter idéia, é possível assistir o filme em uma versão somente com a trilha sonora, tal importância dada a esse quesito.

A cinebiografia de um homem que influenciou muitas pessoas, sendo realizada por outro homem que também já influencia muitas outras. É uma boa combinação, e que, felizmente, surtiu um resultado positivo. O filme só poderia ter sido um pouco mais conciso, ou aproveitado seus 161 minutos para uma maior ênfase nas diversas experimentações musicais, passando de um disco gravado com uma sessão de cordas até flertes com a música de Stravinsky, que acompanharam Charles Parker Jr. até o fim de sua vida.

Por Paulo Gadioli

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